Belgian composer Line Adam has released a new CD, Femme. Alain Steffen made the following interview with her.

Line Adam

Ms. Adam, your new album is entitled Femme. Femme, singular. What can you say about this project?
Femme, la femme! Since we’re talking about the man in the singular. It’s not a musical report on women but a sharing of the emotions of THE woman. I’m not a feminist at all. My approach is more like a mirror. I’m a woman and I’m halfway through my life. So I needed to take a look inside myself, at what I’ve become. We’re used to looking at what we’ve done, looking at what we could do, and sometimes we forget to look inside ourselves. As a woman, what do I experience and feel? Then, what do women ultimately feel overall? I think all humans are the same, but we have this thing that men don’t have yet, which is childbirth and pregnancy. That gives us a few more hormonal and emotional passages. (laughing)

For this project, you have chosen the string quartet, accompanied in some pieces by a saxophone and a piano.
I am particularly fond of strings. I also love string ensembles. At the beginning I thought I was only going to write for a quartet composed of four women, but as I progressed I found that men also had a big place in a women’s album because what would we be without them? So the saxophone and the piano are played by men. It’s a way of sharing life and I chose two men whom I musically like very much. I chose the humans before I chose the instrument!

As on your CD Sculptures, you work here with a female quartet. Is that a coincidence?
A coincidence, yes! I was looking for a female quartet for this project, which was not the case for Sculptures! At the time I wanted to work with the Thai Quartet, which unfortunately no longer exists.

Speaking about the woman in the music, is there a theme that preoccupies you?
When it comes to characters like Dido, Fidelio, Salome, Lulu, shouldn’t this question be answered by men? (laughing) Clara Schumann, Louise Farrenc, Lili Boulanger, for me, women composers have always followed their times, their desires, their instinctive creativity as well. The way of disseminating it must have been more complex than it is today. To the point of sometimes taking other first names, male first names, but a woman who composes is a human being who composes.

Your program Femme shows, that you’re a composer who likes to mix different genres of music.
That’s a great debate! Yes, I like a lot of things, but not everything, far from it. I’ve got a bit of jazz and world music influences, but I don’t think I’ve got too many influences on this album at the same time. I’d rather say several classical influences ranging from Gustav Mahler to Maurice Ravel or Dimitri Shostakovich, three composers that I listened to a lot. I regret that one always has to put a label on people. A style? My style? Perhaps that of bringing together 2000 styles, I don’t know. I’m influenced, yes, and there are only 12 notes in a scale, so even if mathematically the harmonic and rhythmic possibilities are enormous, you fall back into patterns when you write. My music moreover is rather tonal. I compare my writing to painting. Sometimes I like to paint fruits, a church, a landscape. This has been done since the dawn of time, but each composer painting a fruit will do it with his personal touch, even if you recognize the fruit. I am far from being a figurative painter, but rather an abstract painter! That’s my label if I had to put one on.

If you look at your own musical development, what could you say about your evolution as a composer?

It’s complex to talk about yourself. I don’t have the necessary retrospection I think. I hear around me that my compositions are becoming more and more recognisable, that I have a ‘style’ but again, what does that mean? What I would say, experienced from the inside, is that I am less in question when I write, my musical discourse comes out on its own, I no longer question what I should or shouldn’t write. That’s my evolution, I write because I need to write and it doesn’t matter what it becomes afterwards. Right now I’m writing a Stabat mater. That’s what containment has dictated to me. The form and instrumentation were immediately obvious. Later on, will it be performed? Recorded? Anyway, uh…

What is contemporary music to you and do you see yourself as a contemporary composer in the sense that this definition is used in the musical world?
This question comes up regularly and tortures me a little (laughing). The definition says this: « Contemporary music represents the various streams of scholarly music that emerged after the end of World War II. Some of these currents have taken new paths outside the tonal system. » So my answer is rather ‘No’. I’m very often in a tonal context, so I’m not a contemporary composer. But contemporary also means today. I’m thinking of composers like Arvo Pärt or Philippe Glass who are more in the movement of minimalist music, I’m probably closer to them.
I write music that speaks, that has emotions that the lambda citizen can understand. I’m not looking for sound or atmosphere. I find it very interesting and I listen to it regularly (especially at night) but it only remains ‘interesting’. I am not touched by contemporary music. I need to laugh or cry while listening to music and so I inevitably write that the one I have to create.

Shanghai and Portland (Oregon) based cellist-conductor Hekun Wu remembers his teacher Maurice Gendron (1920-1990) over a 14-CD collection with the cellist's major recordings. Hekun Wu has served on music faculties including Wellesley College, Willamette University, and the Shanghai Conservatory. Currently he is a distinguished professor and the Dean of the School of Music at East China Normal University. Wu studied extensively with Maurice Gendron, Paul Tortelier, Zara Nelsova, Tanya Remenikova, and Leslie Parnas.

Hekun Wu

The year 2020 marks the centennial anniversary of Maurice Gendron’s birth. In October 2015, Decca released a 14-CD collection (4823849) L’Art de Maurice Gendron, as a tribute to the legendary cellist of the twentieth century. This is a much anticipated monumental testament to the French master, published a quarter of the century since his passing. Listening to Gendron’s recordings again in chronological order, from 1952 to 1969, is a refreshingly different experience. Read More →

Roland Kluttig, der neue Chefdirigent der Grazer Oper im Gespräch mit Alain Steffen

Roland Kluttig
(c) Marco Borggreve

Herr Kluttig, nach 10 Jahren als Generalmusikdirektor am Landestheater Coburg wechseln Sie nun nach Graz. Sie halten sich demnach an die Regel von Lorin Maazel, nicht länger als 10 Jahre bei einem Klangkörper zu bleiben.
(lacht) Ich weiß nicht, ob man das so pauschalisieren kann und ob es eine richtige Jahreszahl gibt. Solange die Zusammenarbeit fruchtbar ist, und Musiker und Dirigent sich gefordert fühlen, kann man künstlerisch weiterkommen. Read More →

BR-Klassik veröffentlicht Verdis Oper Attila mit dem Münchner Rundfunkorchester unter der Leitung seines Chefdirigenten Ivan Repusic. Remy Franck hat dazu folgendes Interview mit dem Dirigenten geführt.

Herr Repusic, was hat Sie dazu veranlasst, in München einen Zyklus mit frühen Verdi-Opern zu machen?
Verdis frühe Werke sind hier eher selten zu erleben. Doch es ist bedeutende und anspruchsvolle Musik, die große Herausforderungen an die Interpreten stellt, was zum Beispiel Klangkultur, Zusammenspiel und Balance betrifft. Für die Besetzung des Münchner Rundfunkorchesters, dessen Chefdirigent ich seit Herbst 2017 bin, sind diese Werke ideal. Und sie geben uns die Möglichkeit, mit hochrangigen Solisten zu arbeiten, so bereits mit Marina Rebeka in Luisa Miller, Leo Nucci in I due Foscari und Ildebrando D’Arcangelo in Attila. Read More →

Die französische Flötistin Hélène Boulègue hat bei Naxos die zweite und letzte Folge des Gesamtwerks für Flöte des französischen Komponisten André Jolivet bei Naxos herausgebracht. Alain Steffen hat sich mit ihr über dieses Projekt unterhalten.

 

Hélène Boulègue
Photo: Eric Chenal

Hélène Boulègue, Sie haben soeben die zweite CD (Rezension) veröffentlicht, die dem Gesamtwerk für Flöte von André Jolivet gewidmet ist. Allerdings ist Jolivet keineswegs ein einfacher Komponist. Woher kommt diese Anziehungskraft für seine Musik?
Als ich zum ersten Mal Musik von Jolivet hörte, muss ich dreizehn oder vierzehn Jahre alt gewesen sein. Ich war in meinem Zimmer mit einer meiner Flöten-CDs als Hintergrundmusik und machte meine Hausaufgaben. Und plötzlich erregte die Musik meine Aufmerksamkeit. Ich hörte auf zu lernen, hörte ein paar Sekunden lang zu und eilte dann zum Plattencover, um zu sehen, worum es ging. Ich hatte gerade die Einleitung zum Chant de Linos gehört, einem der am häufigsten von Flötisten gespielten Stücke von André Jolivet, und ich beschloss sofort, dass ich es eines Tages spielen würde. Read More →

Bei Berlin Classics hat Matthias Kirschnereit eine CD mit selten gespielten kleineren Werken von Ludwig van Beethoven herausgebracht. Alain Steffen hat sich mit dem Pianisten unterhalten.

Matthias Kirschnereit
(c) Neda Navaee

Herr Kirschnereit, Ihre letzte CD heißt Beethoven Unknown (Pizzicato-Rezension) und stellt selten gespielte  Werke des Meisters vor. Gibt es denn wirklich noch unbekannte Stücke von Beethoven?
Also, der Titel ist schon etwas provokant und muss auch relativ betrachtet werden. Alle Werke Beethovens sind verlegt, es gibt keine verstaubte Partitur mehr auf irgendeinem Speicher oder in irgendeinem Archiv. Read More →

Zwei Brüder, ein Instrument: Ivan und Michael Pochekin zeigen sich im Duo miteinander verwachsen – aber jeder ist auch in seinen eigenen Projekten äußerst produtiv. Der jüngste Wurf gelang Ivan Pochekin mit einer imponierenden neuen Aufnahme der beiden Shostakovich-Violinkonzerte. Das bot sich an, denn der 1987 in Moskau geborene Geiger war mit dem Russischen Nationalorchester unter Leitung von Valentin Uryupin schon bestens 'eingespielt'. Heraus gekommen ist nun eine Aufnahme, die Shostakowichs tiefgründige Botschaften ins Zeitlose transferiert – und sich gerade jetzt besonders aktuell anfühlt. Im Interview mit Stefan Pieper bringt Ivan Pochekin seine Haltung auf den Punkt.

Herr Pochekin, erzählen Sie mir etwas über die Geschichte dieses Projekts?
Ein Jahr zuvor hatten Valentin Uryupin und ich zusammen mit dem Russischen Nationalorchester die ‘In Spe’-Sinfonie von Vyacheslav Artyomov mit Solovioline und Cello für das Label Divine Art aufgenommen. Die Zusammenarbeit lief so gut, also beschloss ich, mit dem gleichen Team weiter zu machen. Meiner Meinung nach ist das RNO einfach vorbildlich in der Aufführung russischer Musik. (Pizzicato-Rezension) Read More →

Philharmonie Luxembourg
(c) Wade Zimmermann

Für die Eröffnung der Luxemburger Philharmonie im Jahre 2005 komponierte Krzysztof Penderecki im Auftrag der Luxemburger Regierung seine 8. Symphonie, Lieder der Vergänglichkeit. Remy Franck erinnert sich an die Vorbereitungen. Read More →

Krzysztof Penderecki
(c) Bruno Fydrich

Krzysztof Penderecki ist tot. Seine Musik lebt weiter, wie auch die Erinnerungen an ihn. Wichtige Aussagen des Komponisten gibt es in einem Pizzicato-Interview, das unserer (ebenfalls verstorbener) Mitarbeiter Guy Wagner 2001 in Krakau mit dem Komponisten führte.

Herr Penderecki, Sie schreiben in Ihrem Buch ‘Labyrinth der Zeit’: ‘Ich bin ein Hybride’. Wie sehen Sie diesen Begriff?Ich sehe ihn vor allem in Bezug auf meine Abstammung. Meine Familie ist sehr gemischt. Meine Großmutter väterlicherseits ist eine Armenierin, stammt eigentlich aus Persien, hat also eine ganz andere Kultur mitgebracht. Read More →

Since 2016, Czech conductor Jakub Hrusa (*1981) is Chief Conductor of the Bamberg Symphony, but his newest recording featuring Josef Suk's Asrael Symphony was made live with the Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks in Munich. Remy Franck made the following interview with the conductor.

Jakob Hrusa
(c) Petra Klackova

You had a remarkable success with Brahms (reviews here and here) and other non-Czech composers, but you have nevertheless developed a particularly great sensitivity for Czech music. What does it you mean to you?
For me conducting music of Czech composers is like breathing. So natural, so lovely. Sometimes – like with breathing – I even stop noticing how extraordinary a privilege it is: to be an ambassador of these precious cultural creations and understand them to the smallest detail. In my career, I have tried to avoid being pigeon-holed. Out of my love and respect to music of other territories, I have always actually done more non-Czech music than Czech. Read More →

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