José Antonio Bottiroli
Herr Banegas, bitte erzählen Sie uns zunächst einmal, wer José Antonio Bottiroli war!
José Antonio Bottiroli hat von 1920 bis 1990 gelebt und war ein bekannter argentinischer Komponist, Dirigent und Dichter, der in der Stadt Rosario geboren wurde. Er war ein produktiver Geist. Sein musikalisches Werk umfasst mehr als 115 Kompositionen aus fast allen Genres mit Ausnahme der Oper. Seine Ästhetik war tief in der Postromantik verwurzelt und beeinflusst von der Tradition Giuseppe Martuccis aus Neapel, dem Lehrer von Bottirolis eigenem Mentor José De Nito. Bottiroli absolvierte sein Studium am Juan María Gutiérrez Institut für Musik der Nationalen Universität des Littoral in Rosario, wo er mit der höchsten Auszeichnung abschloss.
Wie viele Einwohner von Rosario war Bottiroli ein Nachkomme italienischer Einwanderer. Durch seine Großmutter väterlicherseits war er mit Papst Pius XI. (Achille Ratti) verwandt. Obwohl er einen natürlichen Charme besaß, diente dieser oft als Deckmantel für eine zutiefst schüchterne und sensible Persönlichkeit. Diese Sensibilität manifestierte sich in einer tiefen Sorge um benachteiligte Menschen. Jahrelang engagierte er sich jeden Samstagvormittag ehrenamtlich im Staatsgefängnis von Rosario und unterrichtete Insassen in Musik, mit dem vorrangigen Ziel, ihnen durch Musik emotionale Unterstützung und ein Gefühl der Würde zu vermitteln.
Der Höhepunkt in seiner Karriere als Komponist kam 1985 mit der Uraufführung seiner symphonischen Dichtung Ulysses Homer, die vom Publikum mit stehenden Ovationen gefeiert wurde. Sein bleibender Einfluss wurde erst Jahrzehnte später offiziell anerkannt. Im Jahr 2015, 25 Jahre nach seinem Tod, erklärte der Stadtrat von Rosario Bottiroli zum ‘Distinguished Musician Post Mortem’ (herausragender Musiker posthum) in Anerkennung seiner herausragenden Karriere als Komponist und Dirigent klassischer Musik, seines Beitrags zum kulturellen und künstlerischen Erbe der Stadt und seiner Förderung der nationalen Identität.
Was hat Sie motiviert, in den letzten sechs Jahren alle Werke Bottirolis für und mit Klavier aufzunehmen?
Ich habe mich schon immer von Herausforderungen motivieren lassen, und die Aufnahme des Gesamtwerks eines unbekannten Komponisten stellt eine doppelte Herausforderung dar: die Beherrschung einer einzigartigen Stilsprache und die Bewältigung des schieren Umfangs des Projekts. In diesem Fall führte das Unterfangen zu einer mehrbändigen Serie von vier Alben mit insgesamt vier Stunden und vierzig Minuten Weltpremierenmusik. Im Fall von Bottiroli war meine Motivation auch sehr persönlich – er war mein Mentor. Da ich viele dieser Stücke unter seiner direkten Anleitung studiert habe, verfüge ich über ein Verständnis seiner künstlerischen Absichten aus erster Hand, was mich in eine einzigartige Position als maßgebliche Referenz für sein Repertoire versetzt. Darüber hinaus habe ich als Mitinhaber des Urheberrechts neben seiner Familie die Freiheit, seine Musik ohne Einschränkungen aufzunehmen, zu veröffentlichen und zu fördern.
Wenn man sich die vier Bände Ihrer Bottiroli-Reihe beim Label Grand Piano anhört, gewinnt man sehr unterschiedliche Eindrücke: Die Palette reicht von fast salongleichen Walzern bis hin zu doch relativ modernen Kompositionen, die auch von Villa Lobos oder Chavez stammen könnten. Es ist erstaunlich, wie all dies von ein und demselben Komponisten stammen kann. Wie erklären Sie sich das?
Um Bottirolis Stil zu definieren, muss man ihn als Meister der musikalischen Assemblage beschreiben – als einen Mixed-Media-Komponisten. Seine Herangehensweise an die Komposition entspricht der der visuellen Surrealisten seiner Generation, wie André Breton oder Méret Oppenheim. In einem einzigen Werk kann er eine üppige, postromantische Phrase einer rein impressionistischen gegenüberstellen. Dennoch verankern ihn seine dichte harmonische Sprache und sein Einsatz von Dissonanzen fest im Expressionismus. Für Bottiroli waren Musik und Poesie Kanäle für seine bewussten und unbewussten Emotionen; er vertiefte sich in die Psychologie seiner Themen, um Etopeyas (musikalische Ethos) zu schaffen – musikalische Porträts, die das Wesen einer Person einfangen.
Das neueste und letzte Album der Reihe enthält nun eine Reihe von Stücken, die auf den ersten Blick wieder ungewöhnlich erscheinen. So gibt es beispielsweise eine Komposition für zwei Klaviere, Violine, Viola, Klarinette und Harfe. Außerdem gibt es ein kurzes Stück für Sinfonieorchester mit Soloklavier, das nur 4’35 Minuten dauert. Liegt es auch an diesen ungewöhnlichen Instrumentierungen, dass Bottirolis Musik nicht sehr oft aufgeführt wird?
Liegt es an der Instrumentierung? Keineswegs! Bottirolis Musik geriet, wie die vieler seiner Zeitgenossen, aufgrund einer weit verbreiteten Tragödie in Vergessenheit: Apathie und Unbequemlichkeit. Auf der einen Seite haben wir ein Publikum, das immer wieder Brindisi aus La Traviata hören will – das ist der Inbegriff von Apathie. Auf der anderen Seite scheuen viele konservative Musiker die Herausforderung, einem unbekannten Repertoire Leben einzuhauchen. Und wir haben die ‘Kultur der Neugier’ verloren, die vor dem Zeitalter der massenhaft reproduzierten Aufnahmen existierte. Deshalb schätze ich die Arbeit von Naxos mit seinem angeschlossenen Grand Piano-Label so sehr.
Darüber hinaus lagen Bottirolis Werke bis vor kurzem nur in handschriftlichen Manuskripten vor. Die Musiker von heute sind es aber nicht mehr gewohnt, die Handschrift eines Komponisten zu entziffern, was eine massive Barriere darstellte. Die Veröffentlichung von Bottirolis Musik durch den belgischen Verlag Golden River Music hat diese Barriere jedoch effektiv beseitigt. Das Ergebnis kann sich sehen lassen: Nach der Veröffentlichung führte das Municipal Chamber Orchestra of the City of Rosario (OMCR), ein führendes und hoch angesehenes Orchester in Südamerika, Bottirolis Meisterwerk Nocturnalia für Streichorchester und vier Flöten aus dem Jahr 1981 erstmals auf. Die Flötisten – Verónica de Giannantonio, Emiliano Zamora, Susana Rinesi und Martina Rodríguez – waren so begeistert, dass sie sich danach offiziell Bottiroli Flute Quartet nannten.
Das Sextett und das einsätzige Klavierkonzert (1955) sollten als frühe Orchesterwerke betrachtet werden, in denen Bottiroli bewusst Themen von Richard Strauss und Mario Tarenghi adaptierte und transformierte, um sie als ein Testfeld für seine Orchestrierungsfähigkeiten zu nutzen. Indem er diese etablierten Melodien für Ensemble und Orchester paraphrasierte, führte er einen rigorosen Versuch mit instrumentaler Klangfarbe und Textur durch. Diese entscheidende Phase des Experimentierens bildete die technische Grundlage, die es ihm später ermöglichte, die weitläufigen, originellen sinfonischen Dichtungen zu meistern, die den Höhepunkt seines Orchesterwerks am Ende seines Lebens darstellen sollten.
Fabio Banegas
(c) Corey Fox
Neben Ihnen selbst sind auf dem neuen Album auch andere Musiker zu hören, darunter das Antón & Maite Piano Duo aus Spanien, das Brünner Philharmonische Orchester unter der Leitung des argentinischen Dirigenten Francisco Varela und das Duo du Rève. Wie haben Sie es geschafft, diese Musiker für Musik zu begeistern, die ihnen zuvor wahrscheinlich völlig unbekannt war?
Alle beteiligten Musiker teilen eine ausgeprägte Leidenschaft für Weltpremieren-Repertoire. Für einige von uns war dies ein Wiedersehen: Die tschechische Flötistin Jana Jarkovská und der argentinische Dirigent Francisco Varela hatten zuvor mit mir bei der erfolgreichen Weltpremiere von Eduardo Graus Concerto for Soloists and String Orchestra zusammengearbeitet. Als sie Bottirolis Partituren sahen, waren sie sofort dabei.
Das Projekt gewann weiter an Dynamik, als die A&R von Naxos die Idee aufgriff, Bottirolis Klavier-Kammermusikwerke in den letzten Teil der kompletten Klavierserie aufzunehmen. Das war ein bedeutender Meilenstein.
Für das Flötenwerk fiel die Wahl leicht: Jana Jarkovská und Bohumír Stehlík bilden das international preisgekrönte Duo du Rêve. Ihre Chemie ist so natürlich, dass ich mir niemanden anderen für diese Aufgabe vorstellen konnte. Was das Repertoire für zwei Klaviere angeht, haben Maestro Varela und ich intensiv nach einem ebenso herausragenden Duo gesucht. Nachdem wir mit mehreren Kandidaten gesprochen hatten, fanden wir im Antón & Maite Piano Duo die perfekte Besetzung. Letztendlich ging es nicht nur um Auszeichnungen, sondern auch darum, dass sie wunderbare Menschen sind – die Art von Mitwirkenden, die zu Freunden fürs Leben werden.
Das neue Album enthält auch eine ganze Reihe von Walzern, und wenn es einen roten Faden in Bottirolis Karriere gab, dann war es wahrscheinlich der Walzer. Was faszinierte den Komponisten so sehr an Walzern, dass er immer wieder zu diesem Format zurückkehrte?
Bottiroli sah den Walzer als ultimativen Test für die Fähigkeit eines Komponisten, gleichzeitig universell und zutiefst persönlich zu sein. Er nutzte die Vertrautheit seiner Struktur als Spielwiese für Experimente; in seinen Augen war der Walzer die ‘menschlichste’ aller Formen – er atmet, er pausiert und er neigt sich. Er empfand den 3/4-Takt, ähnlich wie den zusammengesetzten Takt (die Unterteilung eines Takts in drei Teile), als rhythmischen Herzschlag – ein Gefäß, das flexibel genug war, um seine intimsten Gefühle aufzunehmen. Über das Technische hinaus glaube ich auch, dass Bottirolis Hingabe zum Walzer ein trotziges Markenzeichen war. Es war seine Art, sich den Trends seiner Zeitgenossen zu widersetzen, indem er bewies, dass das poetische Erbe von Chopin, Arensky und Strauss mit den experimentellen Mitteln der Gegenwart koexistieren konnte. Letztendlich nutzte Bottiroli die evokative Kraft des Walzers, um die Tradition neu zu erfinden und sie zu seinem eigenen modernen, harmonisch eklektischen und abenteuerlichen Kompositionsstil zu formen.
Was ich an der gesamten Bottiroli-Reihe bemerkenswert finde, sind die Cover-Artworks, denn sie sind genauso vielfältig wie die Musik selbst. Die Motive reichen von Naturfotografien über das Bild eines Sternenteleskops bis hin zu einem modernen Gemälde, das den neuesten Band ziert. Hatten Sie Einfluss auf das Cover-Design? Und wenn ja, was waren Ihre Absichten bei der Auswahl der einzelnen Cover-Motive?
Die visuelle Identität jedes Albums folgt dem kuratierten redaktionellen Ansatz von Grand Piano. Während das Label die Ästhetik definiert, werden die Künstler ermutigt, an Konzepten mitzuarbeiten, die den musikalischen Inhalt widerspiegeln.
Auf dem Cover von Vol. 1 ist der gestreifte Kuckuck zu sehen, der Protagonist von Invisible Bird in A-flat major (1979) – einem Stück, das im Wesentlichen eine akribische ornithologische Studie in Klang ist. Vol. 2 beschwört das Geheimnis des Nachthimmels herauf und präsentiert eine herausragende Zusammenarbeit mit der Hollywood-Ikone George Takei (bekannt aus der Original-Serie Star Trek). Takei erzählt Bottirolis einzigartiges Reply-Genre: eine poetisch-musikalische Form, die aus einem Originalgedicht besteht, gefolgt von einer Klavierantwort darauf. Darüber hinaus enthält Vol. 2 insbesondere das Stück ‘Microsorrow Andromeda’ aus dem Jahr 1984, eine Reproduktion des Kunstwerks ‘Landscape and Sky: Andromeda’ von Siman Hudson.
Vol. 3 befasst sich mit dem rätselhaftesten Kampf in Bottirolis Leben – dem Tod –, der visuell durch die stille Endgültigkeit eines Sonnenuntergangs dargestellt wird. Für Vol. 4 schlug ich schließlich ein Werk eines Zeitgenossen des Komponisten vor, des Malers Juan Grela (1914–1992) aus Rosario. Sein Gemälde Barrio Cassini (Cassini-Viertel) aus dem Jahr 1965 spiegelt Bottirolis eigenen Erzählstil perfekt wider und verankert die Musik in der gemeinsamen Atmosphäre ihrer Heimatstadt.
Wie fühlen Sie sich jetzt, da alle vier Bände Ihrer Reihe veröffentlicht sind? Sind Sie traurig, dass das Projekt nun abgeschlossen ist, oder ist es auch eine Erleichterung, denn allein die schiere Menge an Aufnahmedaten und Aufnahmestandorten für das letzte Album lässt vermuten, dass die Organisation dieser Reihe sehr mühsam gewesen sein muss?
Ich bin dem Dirigenten Francisco Varela sehr dankbar, dessen unerschütterliches Organisationstalent dafür gesorgt hat, dass die Last der Logistik nie ganz auf mir lastete, oder wie er es ausdrückt: Ich war der Kopf hinter unserer Zusammenarbeit. Nachdem ich die Aufnahmen dieses monumentalen Repertoires abgeschlossen habe, empfinde ich weder Traurigkeit noch Erleichterung, sondern eher eine stille Begeisterung über eine abgeschlossene Reise. Für mich ist dies kein Abschluss, sondern ein Tor, ein Anfang. Der vor mir liegende Horizont und die Aussicht auf die nächste große musikalische Entdeckung, die darauf wartet, entdeckt zu werden, geben mir Energie
José Antonio Bottiroli
José Antonio Bottiroli ist nun einer der Namen aus der argentinischen Musikgeschichte, dessen Musik durch Sie wieder zum Leben erweckt wurde. Gibt es andere argentinische Komponisten, die Ihrer Meinung nach dringend wiederentdeckt werden müssten? Und wer wären diese?
Wenn man über die akademische Musik Argentiniens spricht, spricht man über ein riesiges, fruchtbares Gebiet, das noch weiter entdeckt und kultiviert werden muss. Das musikalische Erbe Argentiniens ist sowohl enorm als auch hervorragend und in seiner Tiefe und Qualität leicht mit den großen Traditionen Deutschlands, Österreichs, Russlands, Frankreichs oder Spaniens vergleichbar. Denken Sie an die Zeit, als das Land eine Wirtschaftsmacht war; in diesen prosperierenden Jahren konsumierte Argentinien nicht nur europäische Musik, sondern exportierte auch seine eigenen Opern nach Europa und brachte den Tango hervor, eines der einzigartigsten und einflussreichsten Musikgenres des 20. Jahrhunderts. Diese reiche Vielfalt wurde durch die großen Einwanderungswellen aus Europa noch verstärkt, die eine Fülle unterschiedlicher musikalischer Perspektiven nach Argentinien brachten und so ein einzigartiges Laboratorium für kompositorische Exzellenz schufen.
Die Welt kennt zwar die berühmten Alberto Ginastera, Astor Piazzolla, Alberto Williams und Carlos Guastavino, doch sie sind nur die Spitze des Eisbergs. Es gibt Hunderte ebenso talentierter Komponisten, deren Werke im Verborgenen bleiben.
Eine dieser lebenden Koryphäen ist Dante Grela, der in einer schönen Kontinuität der Kunst der Sohn von Juan Grela ist, dessen Werk das Cover der CD4 von Bottiroli ziert. Um nur einige zu nennen, die mir spontan einfallen: Athos Palma, Ricardo Rodriguez, Eduardo Grau, Cayetano Troiani, Enrique Caseela, Lucio Golberg, Hector Panizza …
Das führt uns zu der Frage, was Sie als Nächstes vorhaben: Sie gelten als Spezialist für die Klavierwerke von César Franck und José Antonio Bottiroli. Sie haben Franck aufgenommen, Sie haben Bottiroli aufgenommen – was kommt als Nächstes? Oder – ich scherze ein bisschen – ziehen Sie sich jetzt vom Klavierspiel zurück?
Ich bin dankbar, dass ich mich in einer Phase befinde, in der der Ruhestand ein fernes Konzept ist. Solange meine körperlichen und geistigen Fähigkeiten es zulassen, werde ich mich weiterhin meiner Arbeit hier widmen – am Klavier und in den Archiven. Es gibt einfach noch zu viel Musik zu entdecken, und ich habe die feste Absicht, so lange wie möglich im Zentrum dieser Entdeckungen zu bleiben. Ich gehe davon aus, dass meine nächste Aufnahme ein großes Klavierkonzert von Nicolás Alfredo Alessio sein wird.
Letzte Frage: Wenn Sie auf die Aufnahmen für die Bottiroli-Reihe zurückblicken, hätten Sie erwartet, dass sie eines Tages in so hervorragender Qualität verfügbar sein würden, wie sie es jetzt sind? Und hätten Sie ein solches Projekt in Angriff genommen, wenn Sie gewusst hätten, wie viel Aufwand die Aufnahmen erfordern würden?
Um ehrlich zu sein, hatte ich zwar immer einen hohen Qualitätsstandard im Kopf, aber zu sehen – und zu hören –, wie das Projekt von Grand Piano in solch kristallklarer Qualität umgesetzt wurde, ist tief bewegend. Es ist eine Sache, davon zu träumen, einen Mentor zu ehren, aber eine ganz andere, sein Lebenswerk mit der Würde präsentiert zu sehen, die es verdient. Was den Aufwand angeht: Hätte ich mit dem tatsächlichen Arbeitsaufwand gerechnet, hätte ich dann angefangen? Ja, und ohne zu zögern! Tatsächlich war der Aufwand nie eine Belastung – er war eine Notwendigkeit. Wenn man von der Verantwortung getrieben ist, die einzige Referenz für das Repertoire eines Komponisten zu sein, wird die Arbeit zu einem Akt der Liebe. Wenn ich das Ergebnis jetzt kenne, würde ich es wieder tun, selbst wenn der Aufwand doppelt so hoch wäre.
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